Todos recuerdan a Eve por su trabajo con Marilyn, pero eso no fue su único gran logro. Se especializaba en reportajes fotográficos, al menos es lo que más disfrutaba hacer. Así fue como por su lente desfilaron personajes tan legendarios como Elizabeth Taylor, Jacqueline Kennedy, Margaret Tatcher o la mismísima Reina Isabel. Trabajó para muchísimas revistas de moda de los 50, 60 y 70.

Afortunadamente su carrera fue celebrada estando ella con vida. Le entregaron varios premios a su trayectoria, a su trabajo y hasta fue condecorada con la Orden del Imperio Británico. Todo absolutamente merecido.

Eve publicó muchísimas monografías con sus trabajos, este mes se publica el último “All about Eve”.

Si quieren ver más de su obra, pueden visitar esta hermosa recopilación.

¡Gracias Eve por dejarnos todo tu maravilloso legado!

Ayer en Nueva York se presentó, como todos los años, una nueva edición del famoso

Como todos sabemos el Calendario Pirelli es una pieza bastante codiciada, no se vende, se reparte entre los elegidos de la empresa. De esta edición se imprimieron sólo 40.000 ejemplares que serán distribuidos por el mundo.*

Algunas de las chicas de las fotos: Kate Moss (quien trabajó con Sorrenti a comienzos de su carrera en una campaña de Calvin Klein), Isabeli Fontana, Natasha Poly, Lara Stone y Saskia de Brauw, entre otras.

Quise buscar un link en donde estuvieran los archivos de todos los calendarios desde 1964 hasta hoy, pero no lo encontré. Juro que lo vi y existe, si alguno tiene el link y nos lo quiere compartir ¡bienvenido!.

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Foto: Mario Sorrenti, Saskia de Brauw, Pirelli Calendar 2012.

*Curiosidad familiar, mi viejo tiene un Calendario Pirelli original de hace algunos años. Trabaja en una empresa de neumáticos y se lo dieron a él porque gusta de la buena fotografía. Cuando me lo mostró no podía creerlo. Le voy a sacar foto después para que vean.

El sábado a la noche me compré el libro “Eramos unos niños” de Patti Smith. En el libro cuenta la historia de ella y Robert Mappelthorpe, como se conocieron, su vida en el Hotel Chelsea y como Mappelthorpe se fue convirtiendo y transformando de un artesano con aspiraciones de artista plástico en el gran fotógrafo que todos conocemos. No terminé el libro todavía, me faltan unas hojas, pero no es excusa para no Ya terminé el libro así que es un excelente momento para hablar del gran Robert, como lo llama Patti (porque Bob no le gusta).

Mappelthorpe nació en 1946 en Nueva York. Es reconocido por sus famosas imágenes eróticas, sus autoretratos, sus estudios de flores, de la homosexualidad y sadomasoquistas (bastante polémicas por cierto en su época). Su manejo de la luz es casi exquisito, es algo en lo que trabajó mucho desde que descubrió las posibilidades de la fotografía.

Su primer amor no fue la fotografía, no sabía fotografiar. Componía sus obras con fotos que obtenía de revistas y libros. Se pasaba horas buscando la imagen perfecta para completar sus collages, hasta que descubrió que el mismo tenía la posibilidad de crear sus propias imágenes. Con una cámara Polaroid prestada, que pocas opciones de manejo tenía, empezó a hacer las primeras pruebas. Su primera modelo fue su gran amiga Patti Smith.

No tiraba demasiados disparos en sus producciones (claro que tampoco eran tiempos de digital, con fílm todo era más caro e insumía varios procesos) y siempre sabía reconocer la foto que iba a quedar sin muchas vueltas, la definitiva, la que iba a pasar a la inmortalidad. Para él era simple, era la que tenía “la magia“.

Casi a mitad de los años 70 conoce al director del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York quien le abre la puerta grande al mundo del arte. Comienza a codearse con los artistas, coleccionista y la clase alta de la época de quienes hace retratos y empieza a subir escalonadamente en su carrera. Fotografío, como buen enamorado del mundo del “jet set” del momento, a casi todos: Warhol, David Hockney, Debbie Harry…

Poco antes de su muerte Mappelthorpe había accedido a presentar una muestra en el Museo Corcoran de Wahington. Las piezas que lo formaban tenían una gran carga sexual y eran parte de un nuevo proyecto fotográfico que estaba realizando. El museo no lo aprobó y en represalia un amigo íntimo de Mappelthorpe proyectó en la fachada del edificio todas esas polémicas fotos que el museo se había negado a exhibir. Luego la muestra se expuso en otro lugar más pequeño con un rotundo éxito y el Corcoran no solo salió perdiendo la exhibición sino la gran cantidad de obra que iban a legarle.

Robert Mappelthorpe murió de sida en el año 1989. Antes de morir creó una fundación dedicada a preservar su obra y a realizar actividades benéficas para recaudar fondos en la lucha contra la enfermedad. Sus muestras siguen siendo exhibidas, ya sin tanto escándalo afortunadamente, alrededor del mundo. Sin ir más lejos, el año pasado, en nuestro país, el MALBA hizo una retrospectiva de su obra, Eros and Order.

Les podría recomendar algunos buenos libros de sus fotos que se consiguen, si buscan bien, en algunas librerías de Buenos Aires, pero después de leer a Patti les recomiendo su libro, tiene “la magia” y es la mejor manera de conocer a este magnífico artista.

Gracias, Robert.

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Foto: Robert Mapplethorpe, Patti Smith, 1975.

Vamos por partes. Cindy Sherman es una fotógrafa de la que ya nos hemos ocupado en este blog, fue protagonista de uno de los primeros posts. Por otro lado, M.A.C, para los que no sepan (o sea, quizás la mayoría de los hombres), es una marca de maquillaje americana, bastante conocida y requerida por la platea femenina. Lo que me lleva a escribir esto hoy no son las sombras ni el rubor, sino el trabajo de Sherman para la última campaña de la marca.

Leyendo por ahí me entero que Cindy es la cara de la última colección con algunas particulares fotos de las que, como siempre, ella es la protagonista. ¿Volvemos a la discusión de los autorretratos? Veremos. Ella dice que lo de ella no son autorretratos…en fin, me resulta muy fácil entrar en discusión. Otro día volveremos a tocar ese tema.

Lo que quiero destacar es un paralelismo entre las dos etapas de Cindy, la de los Untitleds y ésta. Que seguramente continúen siendo Untitleds, pero nada tienen que ver con los de su época “de oro”.

Cindy empezó sus famosos Untitleds a fines de los 70. Eran fotografías de ella misma caracterizada como actriz representando una escena de una película inventada por ella. Realmente eran buenas fotografías. Lograba convertirse en miles de personajes diferentes y a la vez crear ambientes y situaciones que contaba una historia.

Ya a principios de los 90 su estética, que hasta el momento había sido “prolija” (si es que dentro del arte es válido ese adjetivo) se vuelven un poco caótica. O sea, basta de las pequeñas divas, todo se vuelca a un mundo grotesco y artificial.

Y es allí a donde quiero llegar, estas imágenes de la campaña de M.A.C creo que es una de las aristas de su trabajo. Ella no es la misma que era a los 20 años, ella maduró y con ella sus fotos que ahora adquieren unos tintes más teatrales, representando a una mujer que bordea lo payasesco, que se vincula con las cirugías estéticas (esos rasgos no son reales), que se aleja de la belleza tradicional y que, indudablemente, no deja de utilizar los códigos fotográficos de hoy. ¿No les remite un poco a La Chapelle por lo kitsch?

En definitiva, esto no es lo que más me gusta de ella. Me cuesta despegarme de sus primeros trabajos que me parecen fabulosos, pero se que es una evolución. Se percibe a Cindy tras la imagen, pero se nota que mucho agua corrió bajo el puente, tanto personal como a nivel artístico (porque cada obra trae algo del que la realiza implícita). En fin, conclusiones…son todas suyas. ¡Los leo!

Camera Work fue una de las primeras revistas dedicada a la fotografía. En el año 1902 fue fundada por Alfred Stieglitz quién se encargaba de editarla y de decidir cuales iban a ser las imágenes que iban a salir publicadas. Muchos de los grandes fotógrafos de esa época contribuyeron a sus páginas, así como también los expositores de las Little Galleries de Nueva York (una galería de arte en donde llegaron a exponer Duchamp, Picasso y Edward Steichen) y que Stieglitz también había creado.

La revista dejó de aparecer en el año 1917 y conseguir uno de sus números original hoy en día cuesta bastantes miles de dólares. Pero por suerte, y gracias a la digitalización, hoy podemos disfrutar de cada una de las fotos que fueron publicadas allí en el sitio Photogravure. Fotógrafos de principio de siglo pasado, estilos pictorialistas, recorrer las galerías del sitio nos lleva a observar y conocer mejor a quienes desarrollaron la fotografía como arte.

Los invito a que recorran el sitio y se deslumbren con las maravillosas imágenes. Y si son exigentes y quieren tener la versión en papel, la editorial Taschen tiene editado un libro con muchas reproducciones también.

Stieglitz, desde dónde estés, ¡gracias!

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Foto: William Henri Fox Talbot, The Open Door, 1844.

A mi el color me define. No podría vivir en un mundo en blanco y negro. Necesito del color, de su energía. No suelo hacer fotos en blanco y negro, pero si se admirar y disfrutar a los que si las hacen. Bresson es en blanco y negro, lo mismo Stieglitz. No necesitaron del color para contar algo. El color es un capricho. ¿Una evolución forzada? ¿Una forma de ser más fieles a la realidad? Esa sentencia tan tajante que muchos creen, que una foto es lo que se ve, una veracidad al 100%.

¿Por qué usan el blanco y negro? ¿Para crear dramatismo? ¿Para generar misterio? ¿Las fotos de La Chapelle funcionarían igual si fueran en blanco y negro? ¿Las de Bresson como se verían a color? Cuando era chica le pregunté a mi papá por qué los fotógrafos hacían fotos en blanco y negro y me respondió: “Para que vos te imagines los colores“. El blanco y negro no es lo real, algo habrá que imaginar. Ansel Adams por algo ideó el Sistema Zonal, a falta del color, buscaba la perfección entre lo real y lo fotografiado.

Más preguntas…¿es el blanco y negro un poco más patrimonio a la fotografía documental? ¿Quiénes son los fotógrafos de hoy que trabajan en blanco y negro pero no buscan tener una estética “seria”? ¡Yo tengo uno! No es de ahora, pero Lartigue tenía esa estética diáfana y alegre y lo plasmaba en fotos blanco y negro. ¿Y hoy?

¡Leo opiniones!

¿Qué les puedo decir? La fotografía es una pasión que me llena el alma. Les deseo a todos mis amigos fotógrafos y a todos aquellos fotógrafos que pasaron por mi vida enseñándome técnicas, historia y formas de ver esta disciplina que pasen un día genial.

Les comparto para celebrar un video del documental francés L´amour tout court en donde Henri Cartier-Bresson nos habla acerca de sus fotos, de la composición, de la razón áurea, de como mirar, y de como estar receptivos para atrapar el momento. Palabras de un genio que siempre es hermoso escuchar y que hoy seguramente debe estar con su Leica sacando fotos en algún lugar de la eternidad.

¡Feliz día a todos! Y ya que estamos, también…¡feliz primavera y feliz día del artista plástico!

Click here to view the embedded video.

El proyecto “Polaroids” de Andy Warhol es bastante conocido en el mundo de la fotografía y el arte. Pero nunca está de más recordarlo. Sobre todo yo, que amo las “polas” y a Andy.

Hace un año atrás hice en ALTFoto un post sobre este trabajo del artista pop que solía llevar su SX-70 a todo evento que fuera. Retrataba a la farándula neoyorkina contra una pared blanca y un flashazo que no siempre los beneficiaba. Pero en cierta forma en eso consiste la belleza del trabajo. Ver todas las tomas juntas es como observar un muestrario de ricos y famosos de la década del 70, intentando mantener su glamour, ostentación y compostura a pesar de la presión e intimidación que una cámara (disparada por Warhol) puede ocasionar.

Andy era obsesivo, multifacético y cuestionador. No me cabe duda que esta pequeña gran colección de caras de la alta sociedad del show bussiness era su gran tesoro. Al menos hoy, para muchos, lo es.

Pueden ver más imágenes en American Suburb X.

Me regalaron este libro hace algunos meses ya. Me lo leí en un día y me prometí hacer post al respecto. Y me dormí. Hagamos de cuenta que esos meses no han pasado y que acabo de cerrar el libro en su última página con cara de asombro y satisfacción. La Genialidad de la Fotografía de Gerry Badger es increíble.

El libro es un recorrido súper completo de la historia de la fotografía. Desde las primeras fotos que se tomaron en la historia, pasando por Daguerre, Muybridge o Steichen y terminando con Sultan o Parr. En el medio todos los fotógrafos que se les ocurran, fotodocumentalistas, de guerra, de moda (aunque noté que alguno que otro se les ha escapado, no voy a hacer mucho escándalo por eso y se los voy a dejar pasar).

La lectura llevadera y completamente didáctica. Es como estar leyendo un documental, te podes imaginar hasta el locutor contándote como Henryk Ross enterró 6000 negativos durante la Segunda Guerra Mundial ya que habiendo sido contratado por los nazis, también fotografío la vida en los guetos. Al finalizar la guerra volvió por ellos y se convirtieron en un documento muy valioso sobre esa época. El libro está lleno de anécdotas y pequeñas historias que pocos conocen y que a muchos sorprenden.

El libro fue adquirido en Librería Santa Fe, el último que quedaba me lo llevé yo, je. Pero hay que buscar en otras librerías porque lo vi en más lugares, pregunté si lo podían traer a pedido y me dijeron que si. Así que tranquis, es conseguible.

Si tienen la posibilidad de comprarlo, no lo duden. Es uno de esos libros que van a volver a consultar y releer siempre que les venga a la mente algún autor o en algún momento que necesiten inspiración.

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En la foto: a la izquierda, tapa del libro. Arriba a la derecha, página 47 “Blind Woman” (1916) de Paul Strand. Abajo a la derecha, página 188 “Mom posing by green wall and Dad watching TV” (1984) de Larry Sultan.

El 19 de agosto de 1839 (si, 1839) Daguerre presenta oficialmente a la fotografía en Paris con la frase “la pintura ha muerto“. La pintura no murió, pero Daguerre tenía intenciones de que se hablara, y mucho, de la nueva disciplina.

No voy a ahondar en datos históricos ni en nombres de fotógrafos e investigadores que llevaron a la fotografía a convertirse en lo que es hoy en día. Todos tenemos una cámara, todos sacamos fotos y ninguno creo que pueda imaginarse la vida sin ellas. La fotografía está en cada rincón de nuestras vidas, como recuerdos, como un documento, como una afición y en mi caso como una pasión.

¡Feliz cumpleaños!

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El de la foto es Dennis Stock, fotógrafo de Magnum desde los años 50 y amigo de Bresson y Robert Capa.